Título original: Fast & Furious 6
Origen: EE.UU.
Dirección: Justin Lin
Guión: Chris Morgan, Gary Scott Thompson
Intérpretes: Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne Johnson, Jordana Brewster, Michelle Rodriguez, Tyrese Gibson, Sung Kang, Gal Gadot, Ludacris, Luke Evans, Elsa Pataky
Fotografía: Stephen F. Windon
Montaje: Greg D’Auria, Kelly Matsumoto, Christian Wagner
Vestuario: Sanja Milkovic Hays
Música: Lucas Vidal
Duración: 130 minutos
Año: 2013

3 puntos

La familia Carburando

Por Rodrigo Seijas

(@fancinemamdq)

Hay una escena, que en cierto modo está partida en dos, que deja en evidencia los defectos y virtudes de Rápidos y furiosos 6. En primera instancia, vemos una conversación-reunión entre Dom (Vin Diesel) y Letty (Michelle Rodriguez) en una especie de descampado en Londres. El aceptó acabar con la banda de criminales que ella integra para así recuperarla, luego de enterarse de que está viva y no muerta como pensaba previamente. Ella ha perdido la memoria, no recuerda la historia que tuvieron juntos, pero en cierta forma se siente atraída por él. Dom le va señalando a Letty todas las cicatrices de su cuerpo, tratando de hilvanar un relato que le haga recordar los viejos tiempos. El diálogo es, literalmente, insoportable, da vergüenza ajena, parece salido de un mal capítulo de Dulce amor sin la autoconciencia de la cursilería. Rodriguez hace lo que puede con esos parlamentos imposibles, a Diesel dan ganas de molerlo a bifes, aunque siendo chiquitito como es quien escribe, ese deseo es quimérico. Letty finalmente se mete en su auto y se va. Ahí aparece Shaw (Luke Evans), el malo muy malo en cuestión, un tipo tan profesional como frío. El también decide ponerse a charlar un rato con Dom, como anticipando el enfrentamiento que se viene. Shaw le canta la posta a Dom: los dos tienen sus códigos, uno se maneja a través del profesionalismo puro y seco, sin concesiones, el otro se sostiene en base a su lealtad a su “familia”, a su grupo de amigos y parientes. Ese momento hace recordar a algunos aspectos del cine de Michael Mann o de Kathryn Bigelow, con sus protagonistas que siguen ciegamente un conjunto de reglas. Lo mejor y lo peor del film con apenas segundos de diferencia.

Ya hablé de la saga de Rápido y furioso en mi crítica de Rápidos y furiosos 5in control, que era la primera entrega realmente interesante de la serie, aunque no fuera necesariamente buena. Allí se notaba la tensión constante entre el típico relato de un gran robo, con acción a máxima escala, que el director Justin Lin narraba con precisión y coherencia, con el discurso sexista, machista y hasta misógino que siempre caracterizó a esta franquicia. En ese texto no mencionaba algo que atravesó a todas las películas, y es su necesidad de bajar línea con la cuestión “familiar”, con personajes e historias marcadas por una lealtad hacia los núcleos de amigos, parejas y parientes, que no está de por sí mal, aunque se lo marcaba tanto desde los diálogos y monólogos que terminaba haciéndose bastante insoportable. Pues bien, Rápido y furioso 6, en el medio del enfrentamiento de grupos de expertos (que con todos sus esquematismos y dichos obvios no deja de ser entretenido a partir de sus escenas de acción tan infladas como efectivas), retoma mucho esta perorata sobre la familia, los amigos y el amor, agregándole mucho, demasiado peso muerto a la narración.

Esto sucede en buena medida porque, al igual que en la primera y en la cuarta parte, gran parte del conflicto se centra en la figura de Dom, que es como una mezcla de Morpheus y Luis Sandrini inflado con testosterona. Da la impresión de que el diseño del personaje no sólo es responsabilidad de Lin y el guionista Chris Morgan, sino también de Diesel, fuerte candidato a actor más sobrevalorado dentro del género de acción. Quizás el tipo sería más efectivo y soportable si se dedicara sólo a poner el cuerpo para trompear gente y ejecutar toda clase de proezas en las diferentes secuencias de alto impacto, pero es indudable que lo suyo pasa por la autoimportancia. De ahí que quiera hacer un policial serio como Un hombre diferente, y le salga muy mal; o ciencia ficción ambiciosa, donde él encarna a un personaje con una supuesta aura de misterio, como en La batalla de Riddick, y le salga muy mal; o un film futurista y temáticamente importante, como Misión Babylonia, y le salga muy mal; o una actualización “rebelde” de James Bond, como xXx, y le salga muy mal. Todo lo hace mal, actúa pésimo, hasta es feo, y sin embargo se ha construido una carrera exitosa, e incluso hay muchas chicas que piensan que es re lindo, y uno se pregunta por qué, y piensa que el mundo (o al menos Hollywood) puede ser un lugar muy injusto.

Entonces nos tenemos que bancar a Dom/Diesel recargado, diciendo tonterías como “no se le da la espalda a la familia, incluso cuando ellos lo hacen” con cara de “mirá como te estoy diciendo una verdad más importante que la Teoría de la Relatividad”. Lo peor es que unos cuantos personajes se le contagian, y también tiran unas cuantas frases con tono grave, como marcando que nos están cantando la posta, treinta segundos después de haber estado mirando culos y tetas, y dicho expresiones que parecen salidas de una comedia de Sofovich. En el medio, tenemos las clásicas persecuciones, un par de buenos chistes, contadas chances de lucimiento para dos prodigios de las artes marciales como Gina Carano y Joe Taslim, y la promesa de que la historia tendrá un cierre (¿lo tendrá?) con la séptima película.

Rápido y furioso 6 pasa bastante rápido y estaría bueno decir “y a quién le importa”, pero la verdad es que le importa a demasiada gente, joven la mayoría, y en buena medida del género femenino. Como para ponerse a dudar de las conquistas feministas, de la juventud como futuro, del público como sostén del cine, de la familia como institución. Como para ponerse verdaderamente pesimista. Ahora sí que no tengo ganas de aprender a manejar.

Título original: Epic
Origen: EE.UU.
Dirección: Chris Wedge
Guión: Tom J. Astle, Matt Ember, James V. Hart, William Joyce y Daniel Shere, sobre el libro de Joyce
Voces originales: Aziz Ansari, John DiMaggio, Colin Farrell, Josh Hutcherson,
Beyoncé Knowles, Chris O’Dowd, Amanda Seyfried, Jason Sudeikis, Steven Tyler, Christoph Waltz
Fotografía: Renato Falcão
Montaje: Andy Keir
Música: Danny Elfman
Duración: 102 minutos
Año: 2013

8 puntos

Un nuevo y viejo mundo

Por Mex Faliero

(@mexfaliero)

El cine animado mainstream se produce y reproduce con tanta insistencia, que a esta altura sólo logran sorprender aquellas películas que se alejan de las fórmulas, se animan a ir un poco más allá o plantean algo novedoso en términos temáticos y/o formales. Esto es un poco lo que ocurre con El reino secreto, la nueva película de Chris Wedge, director de Robots y la primera La era del hielo, y productor de esta saga prehistórica tan rendidora para la FOX en taquilla como agotada desde un aspecto cinematográfico. Y lo primero que sobresale aquí, teniendo en cuenta a Wedge, es que más allá de algunas temáticas comunes que se pueden vislumbrar entre estas películas (la importancia del grupo, el contexto como condicionante, el éxodo y la supervivencia) hay una necesidad evidente de despegarse de su obra anterior, de transitar caminos nuevos, de ahondar en otro tipo de relatos. Sin llegar a las cimas de un Brad Bird o un Miyazaki, se podría decir que Wedge es un nombre a tener en cuenta dentro del panorama actual del cine de animación.

Y otra cosa relevante para El reino secreto, es que se nota y mucho que su universo está basado en un libro -The leaf men and the brave good bugs en este caso- cuyo autor, William Joyce, participó además en la escritura del guión. La intención no es poner a la literatura por encima del cine -no, nunca caería en semejante sandez snob-, sino hacer notar que la película captura de alguna forma el espíritu original, y que el universo de seres diminutos en el bosque tiene cierta solidez y calidad de cuento de hadas muy difícil de conseguir de otra forma. Es decir, hay un libro, infantil, que sirve de plataforma para que el cine imagine, reescriba y potencie lo ya dicho. Wedge lo logra porque en primera instancia sabe cómo hacer que ese universo visual no sea sólo un virtuosismo tecnológico y una demostración de pericia de los animadores por computadora, sino algo real, con una lógica interna tan grande que ni siquiera precisa explicarse mucho: la película avanza con sus escenas de acción formidables y sus personajes queribles.

Es verdad que la película evidencia por momentos una necesidad algo forzada en ser graciosa, como si la comicidad fuera la única mercancía posible hoy por hoy para el cine animado. Pero por suerte los comic relief no llegan a estropear el asunto, y hasta uno puede disfrutar de esos momentos de humor que chocan con la estructura general, más volcada al cuento de hadas y la aventura épica. Ese tal vez sea el punto más flojo de la película de Wedge, ese tener miedo al territorio de oscuridad y melancolía que propone el film: hay muerte, hay distancia y hay miedo en una película que, seguramente, habrá espantado a algunos genios del marketing hollywoodense.

En El reino secreto tenemos un vínculo padre-hija en crisis, planteado narrativamente dentro de la lógica del cine de Steven Spielberg, mientras que hay por otro lado un choque entre culturas pero con aditamentos fantásticos, muy en la senda de Avatar. De hecho, las escenas de acción tienen ese impacto del cine de James Cameron, especialmente por la planificación del espacio (ejemplar la secuencia en la casa del padre de la protagonista, con los héroes en miniatura escapando por los recovecos) y por el heroísmo que surge en su estado puro y en momentos clave, fundamentalmente con personajes femeninos fuertes. La manera en que Wedge plantea la aventura y la fantasía como un reverso del mundo humano, pero también como un pasaje de aprendizaje que permite solucionar los conflictos en ambos lados, es de una sapiencia absoluta, casi artesanal. El reino secreto, encima y si hacía falta, logra que toleremos bastante bien cierto mensaje ecologista un poco torpe. Una película tal vez no demasiado novedosa si uno la analiza en su conjunto, pero que está integrada por una serie de ideas visuales y narrativas muy personales -que toma prestado del relato clásico, claro que sí-, como si no importara demasiado ese otro cine animado que se estrena todos los jueves: es como lo que plantea la propia película, un paisaje general al que hay que mirar con detenimiento para poder reconocer en su real dimensión.

Título original: Idem
Origen: Argentina
Dirección: Norma Fernández
Guión: Norma Fernández
Intérpretes: Camila Sosa Villada, María Palacios
Fotografía: Enrique Páez, José Galimberti
Montaje: Miguel Pintarelli, José Tabarelli
Producción: Norma Fernández
Duración: 65 minutos
Año: 2010

6 puntos

Ser y hacer

Por Javier Luzi

(@elejavier)

Camila, desde el alma es un documental casi televisivo sobre el género. Ni más ni menos. Pero es tanto lo que se dice en tan poco tiempo que la forma se ve superada por el contenido.

Camila Sosa Villada (protagonista del film Mía y de la serie televisiva La viuda de Rafael) es el nombre que adoptó la protagonista, una transexual cordobesa, que eligió el camino de la actuación para desarrollarse y desarrollar su pensamiento.

La directora Norma Fernández elige hacer aparecer a la protagonista en pantalla en dos roles conjugados: como persona en la entrevista frente a cámara y como personaje en las escenas interpoladas del espectáculo teatral Carnes tolendas, que la misma actriz creó sobre textos de Lorca y su propia experiencia biográfica. De esa manera la charla se vuelve política y la dramaturgia lorquiana se enriquece con la lectura genérica.

El devenir genérico, la maternidad, la discriminación, se cuelan en el discurso común y simple de Camila, sin marco programático pero con la potencia de lo real. La minoría consigue hacer aparecer lo político (la identidad trans) y su atravesamiento de conciencia (de clase) en una figura que pone el cuerpo en la cotidianeidad y en el escenario para hablar de lo que socialmente aún cuesta, más allá de todos los avances conseguidos en los últimos años en el país.

Título original: Idem
Origen: EE.UU.
Dirección: Malcolm D. Lee
Guión: Phil Beauman
Intérpretes: Ashley Tisdale, Simon Rex, Erica Ash, Katt Williams, Terry Crews, Gracie Whitton, Lidia Porto, Charlie Sheen, Darrell Hammond, Tyler Posey, Ava Kolker
Fotografía: Steven Douglas Smith
Montaje: Sam Seig
Dirección de arte: Timothy David O’Brien
Música: James L. Venable
Duración: 86 minutos
Año: 2013

2 puntos

A la nobleza de un chongo fílmico

Por Juan Francisco Gacitua

(@Jotafrisco)

A comparación de otras franquicias también oxidadas, Scary Movie goza de una distribución de tiempo más aireada entre sus regresos: son cinco películas en trece años, mientras El juego del miedo metió siete en seis años, y Rápido y furioso llega a la misma cantidad, doce años después de su primera entrega. Siempre honestas y concretas, ninguna se distanció intencionalmente de un rol de infantería comercial, saliendo a garronear taquilla con premisas y finalidades simples, como la risa, el cagazo y las feromonas de personas sin mayores pretensiones hacia una película.

Quitando la sorpresa de su propia aparición, y la primicia en las parodias (esto a mano de los memes y gifs), Scary Movie no pierde demasiados atributos en su reaparición. Ninguna película de la serie quiso que sus bromas escarbaran más allá de la vuelta payasesca al guión de la película parodiada, la provocación de momentos políticamente incómodos y la artillería de buenos one-liners, chistes físicos/escatológicos y apariciones ingeniosas de estrellas y actores con mayúscula (quizá No es otra tonta película americana fue la única en discutir conscientemente clichés de guión y actuaciones en el terror mainstream). Entre tantos intentos, el “What’s up?” extendido y fumón es hoy cultura popular básica, y personalmente muero por la parodia a 8 Mile en la tercera entrega, un ensamble compacto y potente de todas las cualidades que tuvieron las partes anteriores.

Así es que el desastre de Scary Movie 5 se debe a dos cuestiones simples como repetición y austeridad. La oferta humorística recae demasiado en la torpeza física de los personajes, las referencias están gastadas (excepto por el guiño a Cincuenta sombras de Grey), las participaciones estelares quedan aisladas e impedidas de entrar y salir del argumento con mejor ritmo e incluso la vuelta hace extrañar a las dos actrices presentes hasta la cuarta entrega, Anna Faris y Regina Hall. Mención especial a la vuelta de tuerca lésbica al chiste de la representación del polvo con objetos y momentos cotidianos.

Es impertinente quejarse o esperar que Scary Movie 5 alcance cierta altura artística: la película sigue llenando el cine, en 2013 y a cuarenta y cinco pesos la entrada, y realmente nunca nos exigió demasiado como espectadores. La relación es simétrica.

Título original: Idem
Origen: Argentina
Dirección: Baltazar Tokman
Guión: Baltazar Tokman
Intérpretes: Heather Dawn Martin, Anton Artemovich Konyukhov, Zoffía Anna Stepinska, Kamod Kumar, Ignacio Tinte
Montaje: Baltazar Tokman
Sonido: Guillermo Semproni
Música: Zoffía Anna Stepinska
Duración: 84 minutos
Año: 2011

4 puntos

Una idea que se agota rápido

Por Guillermo Colantonio

(@fancinemamdq)

En Planetario, de Baltazar Tokman, siete familias de distintas regiones del planeta son unidas en el registro del film por una costumbre: en todos los casos los padres han filmado a sus hijos obsesivamente desde el día de su nacimiento. Tokman los convoca, entonces, para que continúen haciendo ese trabajo pero esta vez bajo pautas nuevas, que son puestas por el propio director del film.

Planetario es un representante de un cine que manifiesta un síntoma preocupante: falta de riesgo y complacencia con ciertos modelos de narración y de representación que tienden a las ideas de familia, relación amorosa e infancia, si se quiere, pero desde un marco estabilizador afectivo. Y además preocupa por su falta de solidez formal, disimulada con el montaje de registros fílmicos caseros tomados de distintas familias alrededor del mundo (tal como reza la advertencia inicial).

Lo que vemos es muy poco; lo que sostiene la película son los disparatados relatos, poderosos en su oralidad, con instancias de enunciación más creativas (en su afán por contar historias) que la figura de director que está detrás de todo el proyecto. Los problemas que surgen son varios. Primero, el carácter monótono de la propuesta que, lejos de hacer interactuar productiva y dialécticamente los materiales con los que trabaja, los expone en una sucesión efectista que se agota con rapidez. La prueba está en que se nota que no puede cerrarse el concepto y podríamos seguir los testimonios, como su inclusión, hasta el infinito.

Luego, las ideas en común giran siempre en torno a la tranquilidad del espectador, a la empatía buscada con las criaturas (literalmente hablando) más allá de su calidez y gracia. Si se indaga en las situaciones expuestas, todas concluyen en la fórmula institucional de la pareja como sostén hogareño. Muy poco de reflexión sobre el fundamento de filmarse y un feo aroma a multiculturalismo.

Título original: The Great Gatsby
Origen: Australia-EE.UU.
Dirección: Baz Luhrmann
Guión: Baz Luhrmann, Craig Pearce, sobre la novela de F. Scott Fitzgerald
Intérpretes: Elizabeth Debick, Leonardo DiCaprio, Joel Edgerton, Isla Fisher, Tobey Maguire, Carey Mulligan
Fotografía: Simon Duggan
Montaje: Jason Ballantine, Jonathan Redmond, Matt Villa
Dirección de arte: Damien Drew, Ian Gracie, Michael Turner
Música: Craig Armstrong
Duración: 142 minutos
Año: 2013

8 puntos

Vencedor vencido

Por Rodrigo Seijas

(@fancinemamdq)

Creo poder afirmar sin demasiado temor a equivocarme que el pobre Baz Luhrmann es un director bastante incomprendido por buena parte de la crítica, que sólo lo ve como un cineasta de diseño, incluso cuando lo elogia. Un ejemplo categórico de esto es la crítica (¿califica a esta altura como crítica esos textos que parecen escritos en pantuflas?) de Diego Battle de El gran Gatsby, titulada Que fantástica esta fiesta… (¿qué demonios habrá querido decir con esto?), donde elogia a Luhrmann porque “hace lo que se le antoja” -hay muchos directores que hacen lo que se les antoja, lo cual no implica nada bueno de movida, y sino fíjense en Michael Bay- y describe a la película como “una propuesta algo hueca y superficial, pero también un objeto pop hecho con maestría y, por lo tanto, fascinante en varios aspectos”. Incluso cuando se centra en las tensiones entre la novela y el film, por si Luhrmann respeta o no el material original, sus preocupaciones pasan por el uso de la banda sonora o las sobreimpresiones de fragmentos del libro en la pantalla. Es decir, siempre se queda con los aspectos técnicos, con lo audiovisual, como si no hubiera narración, creación de personajes o conflictos.

Battle olvida o no sabe o no entiende (lo mismo que muchos críticos en el resto del país y el mundo, aunque es difícil que escriban con tanta pereza como él) que Luhrmann es ante todo un romántico de campeonato, un cineasta que construye una estética del exceso a partir de su interés por las grandes historias, por los amores extremos y puros, por los géneros como fuentes de universos donde la épica es la norma. La razón por la que traslada a la contemporaneidad mafiosa a Romeo y Julieta, relee el auge bohemio de fines del Siglo XIX con fuentes musicales de finales del Siglo XX en Moulin Rouge! o combina los géneros bélico, western y romántico en un homenaje a su país en Australia no es porque haga “lo que se le antoja”, sino por razones bastante precisas, lejos del mero capricho: el director se identifica plenamente con las inagotables energías de los protagonistas de esos relatos y piensa permanentemente el contacto entre sus épocas y la actualidad, exaltando el artificio y apelando al pastiche, pero sin descuidar la sensibilidad a la hora de presentarle mundos palpables al espectador. Su gigantismo estético-narrativo vehiculizado en temas simples lo emparenta un poco con James Cameron, aunque este sea más clásico en su puesta en escena.

No me hubiera extrañado que Luhrmann situara El gran Gatsby en la actualidad, en una operación similar a la de Romeo + Julieta, aunque finalmente elige seguir el mismo procedimiento que en Moulin Rouge!, reflexionando sobre las concepciones de la Gran Novela Americana en la década del veinte desde la contemporaneidad. Lo que le interesa igual sobre todo es la mirada idealizada sobre la vida y el amor por parte de Jay Gatsby, a quien Leonardo DiCaprio interpreta retomando numerosos aspectos del Howard Hughes de El aviador: un ser que se va erigiendo como puro misterio, casi como un absoluto, aunque a medida que avanza la historia se va revelando como alguien tan frágil como abarcativo en sus ambiciones. Ese personaje, una permanente contradicción, sirve como soporte para construir otros estereotipos: Daisy Buchanan, la esposa trofeo que (se) cuestiona su posición pero no puede salir de ella; Nick, el optimista que finalmente termina totalmente desengañado; Tom Buchanan, el millonario cínico pero también convencido de la supuesta superioridad de su clase; Jordan Baker, la mujer que sobreactúa su liberalidad, sin hacerse cargo realmente de nada; Myrtle Wilson, la típica amante hueca; o George Wilson, el característico trabajador pobre y torpe que es usado por los demás.

Luhrman no abandona esos estereotipos, no los elude, sino todo lo contrario, y ese acto de esquematismo es lo que le permite que los personajes vayan creciendo en espesor a medida que avanza la historia. Al mismo tiempo, el 3D posee una función espacial pero también expresiva, porque delata en todo momento el juego de apariencias desempeñado por Gatsby y los que lo rodean. El film entonces progresa en base a saludables paradojas: sus protagonistas, pura superficie, exhiben grietas profundas; el universo falso muestra distintas dimensiones.

Y lo que se impone es un cuento enorme, cargado de luces, colores y sonido, sobre un hombre y sus sueños imposibles. Luhrmann, que tiene mucho de Gatsby, busca también llevar a cabo un film imposible, repleto de referencias culturales y personajes a los que les otorga cargas simbólicas que no terminan de sostener, porque sus virtudes estéticas-narrativas como realizador no le alcanzan para salir de determinados esquemas. Con El gran Gatsby continúa persiguiendo la Gran Historia, aunque sus pretensiones no están a la altura de sus logros. Se podría decir, con justa razón, que con las intenciones no basta, que lo importante son los resultados conseguidos. Pero hay que reconocer que Luhrmann sí consigue algo particular: que sus objetivos, aunque no se cumplan, sirvan de inspiración al público y se transformen por sí solos en logros. Como Gatsby, triunfador a su modo a pesar de estar destinado a perder, Luhrmann hace de la derrota una victoria.

Título original: Olympus Has Fallen
Origen: EE.UU.
Dirección: Antoine Fuqua
Guión: Creighton Rothenberger, Katrin Benedikt
Intérpretes: Gerard Butler, Aaron Eckhart, Finley Jacobsen, Dylan McDermott, Rick Yune, Morgan Freeman, Angela Bassett, Melissa Leo, Radha Mitchell, Cole Hauser
Fotografía: Conrad W. Hall
Montaje: John Refoua
Dirección de arte: Karen Steward
Música: Trevor Morris
Duración: 120 minutos
Año: 2013

4 puntos

Una fantasía terrorista

Por Cristian Ariel Mangini

(@Masterzio84)

La bandera estadounidense ya no flamea en el horizonte de la Casa Blanca. Está desgarrada, pisoteada y atravesada por municiones que quemaron sus insignias, cayendo al suelo bajo un cielo rojizo y apocalíptico que tiene a la Casa Blanca como un testigo silencioso que fue completamente socavado e invadido. Alguien finalmente saliendo de la nada se ha hecho con los emblemas más distinguibles de Estados Unidos y amenaza al mundo “democrático y pacífico” con fanatismo, locura y armas de destrucción masiva. Las calles son barridas de plomo y explosiones, dejando sangre y gritos a su paso, y también cae derrumbado el Obelisco de Washington sobre el National Mall. Un mundo de imágenes y símbolos se viene abajo y esta vez el mal viene desde Corea del Norte, logrando amenazar la paz capturando al presidente en su mismísimo bunker. En el medio de tanta poética solemne y folletinesca se envuelve esta película de acción que de no haberse tomado tan en serio su fantasía masoquista habría sido más entretenida. En su lugar tenemos un exponente mediocre (más) de Antoine Fuqua, del cual estoy cada vez más convencido que Día de entrenamiento debe haber sido una alucinación oportunista.

La cuestión es que el mapa geopolítico de la película es poco menos que infantil, casi se puede sintetizar en las palabras del agente traidor interpretado por Dylan McDermott, achacándole al presidente Asher (AaronEckhart) la existencia de la corrupción y Wall Street (¿?), llevándolo a ser ese el móvil de su traición. Por lo demás, aparentemente Corea del Sur no tiene defensas soberanas y Medio Oriente es un enorme país que festejaría de forma homogénea cualquier tragedia ocurrida en Estados Unidos. Estos coreanos del norte no joden para nada, están furiosos y a todo costo quieren amenazar la paz mundial, contando con suficiente armamento para destrozar cualquier ejército. La película parece tan focalizada en mostrar la destrucción que no muestra ni insinúa si existió algún plan, con lo cual lo que vamos a ver va a parecer un tanto rústico e incoherente, y aún más cuando con el desarrollo del film desaparecen más de la mitad de los terroristas norcoreanos inexplicablemente.

Es gracioso antes que nada, casi una comedia involuntaria. Pero esto es lo que hay que resaltar: pienso en Los indestructibles, una película con un escenario político fantasioso, casi del pulp de los ´50, que funcionaba efectivamente como película de acción porque, además de que contaba con buenas secuencias de acción jamás se tomaba en serio el asunto. Aquí con todo el melodrama y tono de poesía trágica la película cae en un pozo contradictorio: por un lado plantea un escenario político infantil con personajes que son estereotipos caminantes en un teatro de efectos especiales y por el otro es de una solemnidad que raya el melodrama novelesco. Ataque a la Casa Blanca pedía a gritos (y creo que Gerard Butler y su personaje también) algo más lúdico, algo más de Duro de matar. Como se queda en el medio y apenas logra conformar al espectador que vaya a ver lisa y llanamente acción, lo que sale es un panfleto mediocre con algunas buenas actuaciones que se pierden en un caos del realizador.

La crisis terrorista nunca había sido tan aburrida.

Título original: Spring Breakers
Origen: EE.UU.
Dirección: Harmony Korine
Guión: Harmony Korine
Intérpretes: James Franco, Selena Gomez, Vanessa Hudgens, Ashley Benson, Rachel Korine, Gucci Mane, Heather Morris, Ash Lendzion, Emma Holzer, Lee Irby, Jeff Jarrett
Fotografía: Benoît Debie
Montaje: Douglas Crise
Dirección de arte: Almitra Corey
Música: Cliff Martinez, Skrillex
Duración: 93 minutos
Año: 2012

8 puntos

El imposible eterno presente

Por Rodrigo Seijas

(@fancinemamdq)

I had a way then losing it all on my own
I had a heart then but the queen has been overthrown
And I’m not sleeping now, the dark is too hard to beat
And I’m not keeping now, the strength I need to push me

(De la canción Lights, de Ellie Goulding, que puede escucharse en los créditos finales de la película)

Debo decir que no soy precisamente un partidario del cine que representa Harmony Korine. Por ejemplo, Julien Donken-Boy, que coescribió y de la cual es director no acreditado, me gustó poco y nada. Su estética feísta y supuestamente provocadora siempre me pareció bastante vacía, sin sustancia. Por eso no me entusiasmaba demasiado en la previa Spring breakers (que en la Argentina lleva el innecesario título adicional Viviendo al límite), porque me imaginaba que el asunto iba a venir por la deconstrucción irónica del mundo adolescente Disney y las mecánicas fiesteras de la era universitaria en los Estados Unidos.

La deconstrucción existe, pero lo que menos hay es ironía, porque Korine piensa primero en la historia y sus personajes, y luego en la mirada estética, cultural y social. Es cierto que la elección para los protagónicos de dos chicas emblema del mundo Disney, como son Selena Gómez y Vanessa Hudgens, más la presencia de Ashley Benson (otra actriz con una carrera muy vinculada al cine juvenil más liviano), su esposa Rachel Korine y James Franco (especialista en roles paródicos, ahora catapultado al estrellato en Hollywood) constituye todo un gesto, pero quedarse con esto sería un análisis limitado. La historia de cuatro chicas universitarias que financian sus vacaciones primaverales a Florida robando un local de comida rápida, para luego zambullirse en un raid de drogas, alcohol y descontrol, donde terminan conociendo a un gángster que las adopta (si es que adoptar es el término correcto), es sólo el punto de partida para el realizador, que va construyendo uno de esos típicos relatos donde se va percibiendo que una etapa termina y comienza otra.

Las chicas de Spring breakers se emborrachan, se drogan, exponen sus cuerpos frente a la mirada masculina, roban, portan armas como si fueran juguetes, parecen no detenerse ante nada, pero se asustan cuando son arrestadas o la chance de sufrir dolor (físico o mental) se hace palpable. Y sin embargo la película nunca las juzga en sus contradicciones o vacilaciones, nunca las observa a la distancia, sino que se pone a la altura de sus ojos. No se detiene en el retrato sarcástico de un universo de pura superficie, donde todo está sobreactuado (el sexo, la violencia, la amistad), sino que se pregunta qué hay detrás de ese supuesto vacío.

Y lo que vamos viendo es que ese rejunte de luces, de ruido, de gritos, de cuerpos-mercancía no es más que un engranaje dentro del sistema, un momento de dispersión para las jóvenes, que van dándose cuenta que les espera un futuro de retorno a sus hogares, a la universidad, a las típicas responsabilidades que les ordena la sociedad. La razón de que no puedan escapar de eso porque no solamente se conecta con el entorno, sino con su propio ser. La energía de la que disponen y aunque pretendan que sea eterna, que ese momento de liberación nunca termine, lo cierto es que el relato se va impregnando de una notoria melancolía. Es cierto que es una melancolía particularmente explosiva y violenta, pero no deja de ser melancolía al fin, porque de esos días que viven las chicas, a mil por hora, pronto sólo va a quedar el recuerdo.

Varios críticos señalaron que Korine busca crear una poética espiritual, al estilo Terrence Malick, pero con una estética videoclipera, basada en una ecléctica banda sonora (que combina el dance con el tecno, el acid rock y sigue la lista), la repetición de imágenes en un montaje furioso y una fotografía que a partir de los brillos resalta el artificio. Y algo de eso hay, porque las voces en off de las protagonistas están marcadas por una idealización que remite mucho a pasajes de Badlands, La delgada línea roja o El nuevo mundo. Pero el principal mérito de Spring breakers es aplicar el espíritu de los films de John Hughes, como El club de los cinco, a la velocidad y volatilidad contemporánea. Trascendiendo el cinismo y el sarcasmo barato, compone unos personajes profundos y queribles.

En una escena donde las chicas están en una pileta, Faith (Gómez) dice algo así como “quisiera que el tiempo se detuviera, que nos quedemos así para siempre”. Las amigas se ríen un poco de eso, pero la puesta en escena delata que todas ellas necesitan, ansían eso, por más que vayan adivinando que nunca lo van concretar.

Título original: The Last Exorcism Part II
Origen: EE.UU.
Dirección: Ed Gass-Donnelly
Guión: Damien Chazelle, Ed Gass-Donnelly, sobre los personajes creados por Huck Botko y Andrew Gurland
Intérpretes: Ashley Bell, Julia Garner, Spencer Treat Clark, David Jensen, Tarra Riggs, Louis Herthum, Muse Watson, Erica Michelle, Sharice A. Williams, Boyana Balta
Fotografía: Brendan Steacy
Montaje: Ed Gass-Donnelly
Vestuario: Abby O’Sullivan
Música:
Duración: 89 minutos
Año: 2013

5 puntos

El demonio no tiene quien le escriba

Por Matías Gelpi

(@matiasfancinema)

El estreno de El último exorcismo en 2010 había sido toda una sorpresa, una película fuertemente influenciada por la moda temática y formal de los últimos tiempos del cine de terror, que lograba por la solidez y decisión de su director Daniel Stamm salir muy por encima de la media. Y todo, gracias a que, a diferencia de sus similares, lleva hasta las últimas consecuencias el par de buenas ideas que lo fundamentan. No vamos a subrayar aquí el hecho de que aquel film se llamaba El último exorcismo y que por lo tanto, claramente, no necesitaba secuela, ya que lo mencionaron un 90 % de los críticos, al menos en la Argentina, alineados en cierta línea de cinismo insoportable.

Tras una buena secuencia de tensión al comienzo, vemos un resumen frenético de la anterior película y nos encontramos nuevamente con Nell Sweetzer (Ashley Bell, actriz joven cuya expresión de anciana sin arrugas desequilibrada es por lo menos perturbadora), en un estado casi autista, aterrorizada y frágil. Se nos hablará de su recuperación, de sus ansias y de cómo el viejo demonio Abalam no la quiere dejar en paz.

Nuevamente tenemos algunas buenas ideas; desde la locación, Nueva Orleans, una ciudad que parece siempre estar bajo una luz tenue descascarada y hermosa. La secuencia del carnaval con un obvio sentido religioso, pero que funciona de maravillas; qué mejor lugar para un demonio que acecha que la fiesta pagana y seductora por excelencia (al parecer no hay horribles comparsas de bajo presupuesto en Nueva Orleans). Y la aparición del sexo en la vida de Nell. No es nada nuevo en los films de terror que sexo es igual a catástrofe, sin embargo, aquí es completamente consecuente con la búsqueda interior que realiza el personaje principal, una persona rota e incompleta que se redescubre. Lamentablemente para ella el sexo la llevará directo a la tragedia. Y por último, la mejor idea del film es abandonar el registro falso documental, que está agotado y limita demasiado.

Lo que venimos enumerando son ideas, cosas que salen bien, pero cuyo resultado es un tanto decepcionante. El director Ed Gass-Donnelly carece de la habilidad narrativa de Stamm, por lo que el potencial buen film que pudo haber sido El último exorcismo – Parte 2, se diluye en la incapacidad de su director y montajista, para lograr fluidez en el relato y una buena construcción de los personajes. Gass-Donnelly falla tanto que hace naufragar a su película, como quien tiene una canoa de río bien hecha con excelente material pero que absurdamente la conduce a la Garganta del Diablo (literalmente y en el peor de los sentidos).

El binomio que forman El último exorcismo y su segunda parte, recuerda a El exorcista y El exorcista 2: el hereje, de hecho en cierto lineamiento argumental las segundas partes se parecen bastante y son igual de decepcionantes. Este caso también tiene su correlación con El proyecto de la bruja de Blair, es decir, en aquello de hacer la primera parte en registro falso documental y la segunda como una película convencional que sólo hace un poco de referencia a la original. Y ahí terminan las similitudes porque El proyecto de la bruja de Blair esta sobrevaloradísima y su secuela es infinitamente inferior a esta segunda parte de El último exorcismo. Las comparaciones no sirven para nada más que, en este caso, establecer el nivel de influencia de aquellos pares de películas con este par.

Para la secuencia del final, donde Nell explota al mejor estilo Carrie la película de repente termina. Entonces nos quedamos con ganas de un premio por haber soportado esos 45 minutos de sustos injustificados y berretas. Nos quedamos con la potencial buena película que pudo ser y con la esperanza de que Ed Gass-Donelly no dirija una probable tercera parte.

Título original: Da-reun na-ra-e-seo
Origen: Corea del Sur
Dirección: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Isabelle Huppert, Kwon Hye Hyo, Jung Yu Mi, Moon So-ri, Moon Sung Keun, Yoon Yeo-jeong, Yu Jun-Sang
Fotografía: Jee Yune-jeong, Park Hong-yeol
Montaje: Hahm Sung Won
Sonido: Jeong Yong-jin
Duración: 89 minutos
Año: 2012

8 puntos

Mirar es un placer

Por Mex Faliero

(@mexfaliero)

Más allá de que esta es la primera película que se estrena comercialmente en la Argentina del coreano Hong Sang-soo, su nombre es bastante habitual para el público que concurre a festivales de cine en el país: siempre hay un Hong Sang-soo en Mar del Plata, también se lo repasa en el BAFICI. Pero sin dudas que la presencia de Isabelle Huppert es la que obra el milagro para que En otro país llegue finalmente en uno de estos jueves del año. Y no deja de ser una invitación más que provechosa para el que se acerque -para el que nunca lo vio y para el que siempre lo ve-, porque sin ser su mejor producción esta película es casi un resumen de su obra, un compendio de todas sus obsesiones y además un ejercicio cinematográfico muy ligero y ameno, un film placentero de ver que exhibe a su vez el placer que es para este coreano el hecho de filmar.

Se podría decir que Hong Sang-soo es un ejemplo casi único para la cinematografía de su país, al menos de aquello que se conoce en el extranjero y llega a estas costas. Sus películas están bien lejos del habitual cine de género industrial que practican sus coterráneos, pero a su vez también se distancia de la vertiente más ardua e intelectual. Su territorio es el de la comedia, el humor refinado y los ámbitos académicos -siempre hay directores de cine-, pero retratados con absoluta ligereza. En En otro país está lo que siempre está en sus películas: el mar, la playa, el amor enrevesado, las comidas, el alcohol a raudales, la soledad, los diálogos sobre el amor. Y también el trabajo formal que nunca exuda intelectualidad y siempre es funcional al relato y a la comedia: la forma en que utiliza el zoom permite que el plano resalte aquello que es primordial, mientras que los personajes ingresan en sus planos cual personajes del georgiano Otar Iosseliani.

En otro país es, además, una de sus películas más accesibles. Si uno de sus grandes problemas es que sus películas pueden resultar por momentos repetitivas y un tanto extensas para las pequeñas anécdotas que suele abordar, aquí el relato bastante breve (89 minutos) se divide en tres capítulos, que no son más que tres historias pensadas por una joven que en el prólogo espera la llegada de un pariente, y que ayudan a que ese universo de largas charlas y planos extensos no se haga demasiado derivativo. Como en toda su filmografía, Sang-soo deja explícitas sus influencias, desde la nouvelle vague -especialmente Eric Rohmer- hasta el Woody Allen de Manhattan o Annie Hall, pero nunca hace de eso una catedral. Por el contrario, en Sang-soo las influencias son ese universo desde el cual el autor nutre el suyo propio, y siempre con mucha liviandad; nada es demasiado tremendo en sus films. Vale agregar que En otro país imbrica tres relatos que suceden en los mismos escenarios y casi con los mismos personajes, y que las tres historias van teniendo nexos y situaciones que se repiten o que se completan en la otra historia. El recurso es tan sólo una probabilidad del relato y nada demasiado complejo de interpretar: es que para el director el trabajo formal no debe apuntar tanto al intelecto como al espíritu. Y no falla: ver En otro país genera un placer poco habitual en el cine de hoy.