Es uno de los cineastas más relevantes en el panorama del cine de las últimas décadas. También es una de las figuras más polémicas y productivas que entregó la legendaria revista de crítica francesa Cahiers du Cinemá. Con una larga y ecléctica carrera, que incluye films como Irma Vep, Clean, Los destinos sentimentales, Demonlover o El otro lado del éxito, es una de las visitas más importantes que recibe la edición 2016 del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, donde también presenta su más reciente film, Personal shopper. En rueda de prensa, expuso sus ideas sobre las posibilidades del cine, los deberes de un realizador, los pros y contras de su postura estética, las características de sus distintas obras y hasta su mirada sobre el Festival, entre otros temas.

-EL FOCO DE INTERES: “La realidad temática de mis películas no es el cine en sí, sino lo que me interesa es la realidad y el mundo. En realidad, ese es el objeto de toda representación artística: representar al mundo y a la percepción humana del mundo. Esa es la primera o principal fuente de inspiración para mí. Desde muy joven, cuando era muy chico, decidí que iba a consagrar mi vida al cine. No hubo momento de duda o vacilación. En ese momento yo decidí que el cine iba a estar en el corazón de mi existencia y es una decisión que nunca lamenté”.

-LA INFLUENCIA DEL PADRE: “Respecto a la importancia que pudo haber tenido mi padre en mi vida, es una realidad que yo amaba a mi padre, pero también que yo abordé el cine sin tener necesariamente en cuenta sus consejos. El estaba inscripto en una escuela cinematográfica más bien artesanal, y yo siempre desconfié un poco de ese abordaje. Yo siempre traté de orientarme hacia una búsqueda de la libertad vinculada a la Nouvelle Vague, que está opuesta en ciertos aspectos a las reglas de la ‘industria’ cinematográfica. Al mismo tiempo, en mi familia había una visión dual respecto al cine, porque mi padre no veía al cine como un medio ‘artístico’: para él, las verdaderas artes eran la pintura y la literatura. Es decir que yo crecí con un contacto bastante cercano con el cine pero con valores más orientados al amor por la pintura y la literatura, no sólo del lado paterno, sino también del materno”.

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-LOS COSTOS DE SER RUPTURISTA: “Es al mismo tiempo un beneficio y un maleficio. Yo considero que mis películas marcan una ruptura no sólo en lo estético, sino también desde el punto de vista del financiamiento. Para mí siempre muy difícil conseguir financiamiento para mis películas, a tal punto que al día de hoy yo suelo utilizar para rodar mis películas un presupuesto usualmente menor, más limitado que el que es facilitado a otros cineastas franceses de mi generación. Tanto es así que he rodado algunos films en idioma inglés, con lo que no tengo acceso al sistema de financiamiento del cine de mi país. A mí siempre me ha interesado cuestionar la idea del cine como medio y las reglas que existen en él. No solamente al cine como industria, sino también al ámbito del cine independiente. Yo pienso que el arte, y el cine en particular, tiene ese costado de exploración, de búsqueda, que es importante tener en cuenta para poder inventar nuevos espacios. Y es por ese motivo que a veces soy visto con cierta sospecha, sobre todo por los responsables de la financiación de las películas”.

El director presentará.
Av. poeta lugons 401, ciudad de Córdoba
Entrada gratuita

¨ Tunteyh o el rumor de las piedras ¨ es una película que retrata desde dentro de una comunidad wichí, cómo sobrevive la contaminación, el agro-saqueo y el concepto occidental de progreso.

Ha recorrido más de 20 festivales internacionales de cine, recibió la declaración de interés cultural por el Ministerio de cultura de la nación, recibió el 2º premio en el XXIV Festival Presénce autochtone, Terres en vues/Land Insights. Montreal, Canada 2014, el premio FANTEPU 2014 por mejor documental Abya Yala en el 2º Festival Internacional de cine y video mapuche y Abya Yala, Temuco Gullumapu, Walmapu-Chile. 2014 y el premio Moises Huentelaf en el 6º Festival de los pueblos nativos y Naciones apátridas, Valparaíso. Chile 2015.

Esta nueva versión de Godzilla comete equivocaciones, en mayor o menor medida, en todas las variables mencionadas en el primer párrafo. Hay, sí, una búsqueda por reelaborar el mito japonés más profunda que en la mediocre versión de 1998 de Roland Emmerich: si inicialmente el monstruo era una metáfora extrema de los peligros atómicos y las heridas post-Hiroshima, en el nuevo milenio la actualización pasa por la energía atómica, tomando los riesgos que representan en el presente las centrales de producción de energía. A la vez, se reedita esta concepción del hombre como un mero eslabón en una cadena evolutiva, donde no está precisamente en lo más alto de la pirámide. Sin embargo, todo está excesivamente explicitado, sobreexplicado, dicho casi a los gritos, y encima de forma demasiado seria y ceremoniosa.

Si Godzilla termina siendo “demasiado seria” no es porque la seriedad en sí esté mal, sino porque para que impacte en el espectador tiene que apoyarse en personajes creíbles que puedan transmitir esa sensación de estar al borde de la extinción sin dejar atrás sus dilemas personales. Lamentablemente, eso no sucede: a pesar de tener unos cuantos personajes decisivos en la trama, el centro real del film es el soldado interpretado por Aaron Taylor-Johnson, quien protagoniza un drama familiar donde deberá reconstruir, al menos en parte, la figura paterna que tiene en crisis desde su infancia, mientras a la vez trata de proteger a su esposa (Elizabeth Olsen) y su pequeño hijo, aunque ninguno de esos conflictos generan una mínima empatía. La performance de Taylor-Johnson es sin lugar a dudas como mínimo mediocre -nunca le creemos nada, parece carecer de la más mínima sensibilidad-, pero también es cierto que el guión no le da chances. De hecho, son bastante más atractivos los personajes de reparto, como los interpretados por Ken Watanabe, Sally Hawkins, David Strathairn y especialmente Bryan Cranston, aunque quedan claramente relegados.

Pero claro, nos estamos olvidando del personaje del título, enfrentado aquí a otros exponentes de su especie y convertido casi en un héroe contra su voluntad, que representa la fragilidad de la especie humana frente a las fuerzas de la naturaleza. La película no se olvida, está permanentemente pendiente de eso, pero también del drama humano, y jamás consigue que las dos vías narrativas se entrecrucen fluidamente. Al contrario, se restan, se empantanan, bloquean el progreso del otro. En consecuencia, Godzilla y los otros monstruos aparecen a cuentagotas, sus fuerzas destructoras recién son expresadas en su verdadera magnitud sobre los minutos finales, luego de una hora y media que se estira demasiado en espera de la acción en toda su magnitud. Lo que podría ser positivo -el ir revelando de a poco al verdadero centro de la película, el ir desarrollando de forma pausada su iconicidad, como en Tiburón– termina siendo en verdad casi un acto de cobardía: pareciera que a Godzilla (la criatura y la película) le diera culpa el acto destructivo, y por eso recién sobre el final es capaz de soltarse. Allí es donde el film crece, porque es más libre e interpela al fanático sin vueltas, casi sin deberle nada a nadie.

Aún así, con su exabrupto demoledor del último segmento, Godzilla carece de la capacidad de generar el temor de Tiburón o Jurassic Park, no goza de la espectacularidad y la profundidad en su lectura política de Guerra de los mundos, no posee personajes atractivos como El día después de mañana o La furia de la montaña, ni siquiera tiene el apetito destructivo -tan bellamente infantil- de Titanes del Pacífico. Y encima carece de humor, no tiene un solo chiste, una sola observación sarcástica o irónica. Ver Godzilla termina siendo una experiencia muy seriota, muy asentada en la pose reflexiva y hasta soporífera.